Por Lorena Acsa Becerra Montero
Ariadna San Vicente Vázquez
Sin título, óleo sobre tela, 75 x 100 cm
En el presente ensayo me abocaré a hacer un acercamiento a la pieza de Ariadne, haciendo uso de los conceptos que estudiamos durante el curso. Todos estos recursos pueden empalmarse ya que en el fondo se refieren en muchos casos a lo mismo en esencia. Así que haré uso de lo que me parezca más pertinente para referirme a la pieza.
Comenzaré escribiendo acerca de los planos de funcionamiento .
Como todo mensaje, la obra de arte contiene tres planos semióticos: el semántico que relaciona los signos con el mundo significable; el sintáctico, que cubre las relaciones de los signos entre sí; y el pragmático, que
vincula los signos con los receptores.
Considero que la pieza se localiza en el plano semántico y sintáctico principalmente.
¿Cuál es la interrelación de las unidades plásticas?
La obra representa un espacio tridimensión, haciendo uso de líneas diagonales que sugieren profundidad. Sin embargo este espacio resulta sumamente ambiguo.
La paleta está compuesta de colores neutros y el contraste más notorio es el de claro-obscuro y el contraste de saturación. Negros, blancos y una gama de neutros rojizos.
La formas cuadrangulares localizadas horizontal y verticalmente refuerzan la perspectiva pictórica.
Observamos una masa que surge en el lado superior derecho de la composición, que nos da la idea de ser un fragmento de algo que está invadiendo la composición. Las pinceladas de esta forma, que se ramifica, son sueltas y parecen continuar hacia abajo, dado que tienen la misma luminosidad y son empastadas.
Las formas cuadrangulares tienen un patrón, un ritmo constante, estable. Sin embargo, al estar ubicadas sobre un plano negro, que funciona como fondo y contrastar tan fuertemente, difícilmente podría reconocer la representación de un lugar en específico.
Pasamos al plano semántico. ¿ Cuáles son las significaciones de las figuras y el tema en conexión con la realidad visible?
En primera instancia, qué representa la obra?. Como dije antes un espacio tridimensional surgido a través de una serie de líneas que sugieren una perspectiva pictórica. Una espacie de cubo al cual tenemos acceso, quizá porque ha sido seccionado o porque nos encontramos dentro de él.
Podríamos relacionarlo por asociación, directamente con otro espacio continuamente presente en la serie de Ariadne, esto es el interior de una casa abandonada, la casa de su abuelo.
Sin embargo, en esta pieza en específico no vemos otros elementos que pudieran remitirnos a ello. Así que resulta siendo una especie de espacio abstracto geometrizado.
El árbol que invade este espacio , me remite a los árboles de cerezo en flor ,de Japón, llamado árbol de sakura, por lo que lo relaciono con un sensación de calma , ecuanimidad, pero también de melancolía.
Dado el tratamiento que dio a las figuras rectangulares, no podemos saber a que material pueden relacionarse, aunque su calidez quizá nos remita a la madera.
Aunque la composición es estable, el fuerte contraste de los rectángulos sobre el fondo negro, me provocan desasosiego, y esto es porque me parecen espacios vacíos, agujeros, lo cual me provoca cierto vértigo e inestabilidad. Esto me hace pensar en una escena fuera de la realidad cotidiana, que busca evocar ciertas emociones.
El siguiente punto a tratar son los enfoques conceptuales. Para ello haré referencia al texto ¿Qué es la pintura? de Julian Bell en donde nos habla de los siguientes conceptos: representación, imitación, sustitución, procesos y expresión.
La pieza, no pretende ser una representación de tipo pictórico, esto es una imitación de la naturaleza sino más bien una representación simbólica. Sin embargo, considero que los conceptos que pueden ser utilizados para el acercamiento a la pieza son el de expresión y en alguna medida la de proceso.
En cuanto a la expresión como un esfuerzo que da forma a lo que tenemos dentro de nosotros, materializándolo en este caso a través de la pintura, tendríamos que preguntarnos acerca de la persona que lo pintó, de Ariadne.
Bell escribe que en nuestro interior hay algo que trasmuta todas nuestras impresiones antes de que emerjan en una forma exterior, esto es una transmutación interna.
¿Qué quiere expresar la pintora mediante este cuadro?
Pienso que evoca una ambigüedad de sentimientos . El árbol que a mi parecer es un árbol de sakura, simboliza serenidad, inocencia, sencillez, renacimiento, belleza, es un augurio de buena fortuna, emblema del amor, etc, y es representativo de la cultura japonesa.
Si lo veo de esta manera, asociaría el espacio representado con una sala de té estilo japones que evoca serenidad. Pero sucede algo. También observamos una rama seca y rota, podríamos pensar que el árbol esta cayendo dentro del espacio, además, tampoco sabemos que se representa exactamente en el suelo.
El negro de fondo me parece un abismo y los rectángulos de abajo ,peldaños de un puente. ¿Cómo tener sosiego en un espacio donde el suelo no es estable, donde no sé que hay abajo, porque de tan oscuro pareciera un abismo?
Y es que no sabemos si esto es así u otra cosa. Los rectángulos también pueden ser representación de luz sobre el suelo, pero dado que la materia pictórica con la que se encuentran pintados parece sólida, me parecen más bien peldaños o mesas.
La cuestión es que me provoca un sentimiento ambiguo, pero más cercano al desasosiego que a la tranquilidad.
Tampoco sabemos que representan con exactitud las manchas blancas en dirección vertical. Podrían ser agua, cayendo del árbol, o luz o maleza del propio árbol.
Pienso que es un escenario construido por la autora para intentar hacernos sentir lo que ella siente, de como siente el mundo.
Lo siente, creo, que con una melancolía- alegre, una extrañeza poética, una angustia que no sabe de donde emerge, una energía vivaz y ecuánime al mismo tiempo, lo siente como un misterio.
Y que en cuanto al proceso? Dado que la representación como tal no es su objetivo principal, la manera en que evidencia la pincelada, que es libre y concisa, puede observarse como una marca que se convierte en el registro de un gesto transitorio, en una huella.
A continuación haré uso de algunos conceptos del texto “Retórica de la pintura” de Alberto Carreré y José Saborit.
La pieza la ubico dentro del concepto de código blando y de Rattio dificcilies.
Esto es justamente porque la comunicación no es precisa. El signo presenta una delimitación imprecisa de sus unidades expresivas y la pieza se presta a múltiples interpretaciones. Existen altos niveles de polisemia y ambigüedad, por lo que favorece las lecturas libres.
Aunque la pieza se encuentra dentro de un plano referencial, porque genera la ilusión visual de un espacio tridimensional, en el que distintos signos pictóricos se articulan entre sí para inducir en el espectador esta lectura, la pieza también admite la consideración no referencial y esto es debido a la ambigüedad en lo relativo a su referencialidad, como ya he mencionado anteriormente.
En cuanto al concepto de evocación, haré referencia a los tropos, que implican un enunciatorio capaz de establecer la relación con un elemento ausente, invocándolo.
¿Qué tropos puedo encontrar en la pieza?
Puedo decir que la perífrasis de indeterminabilidad, ya que los signos plásticos e icónicos aluden con vaguedad a algo inquietante y desconocido. Aluden a lo que no puede decirse, quizá, aunque yo lo relaciono en parte con el concepto portugués de saudade, que se refiere a un sentimiento melancólico, de abandono, de aislamiento. En este sentido podría ser una metáfora de este concepto. Sin embargo al utilizar la representación del árbol de cerezo que es una metáfora del renacimiento y de la primavera , entre otras cosas, aunado a la calidez de las zonas claras, podemos pensar que esta melancolía está llena de esperanza, que incluye un sentido estético, un placer. No es una melancolía triste, sino una gozosa.
Utiliza también la repetición como elemento importante de la composición. Las formas rectangulares se repiten horizontal y verticalmente, configurando un ritmo constante, un orden escalonado.
También podemos ver la repetición y acumulación de las pinceladas contundentes en la representación del árbol, y de las flores que parecen caer, esto nos puede llevar a la figura de sinestesia, evocándonos la sensación de viento y de agua que cae, quizá está lloviznando dentro de este espacio. La rama caída es muestra de que quizá hubo una tormenta y el árbol se ha desojado y la rama ha terminado por romperse y caer.
Observo la figura de antítesis. Espacios luminosos, (incluso podría decir que “emiten luz”, las figuras geométricas y el árbol), en contraposición con la oscuridad intercalada entre las formas.
También hay un contraste, como ya lo he mencionado, entre los sentimientos evocados, por un lado, tranquilidad , frescura y renacimiento y por otro el fuerte contraste de claro-obscuro, que me provoca la sensación de inquietud, dado que no sé que pudiera haber en las partes oscuras. A pesar de que las formas luminosas tienen un ritmo y equilibrio me provoca desasosiego la incertidumbre del vacío.
La elipsis se presenta porque se suprimen algunas partes del enunciado pictórico y es el espectador quien participa en esta construcción visual para completar el significado.
El fragmento de árbol me da a entender que existe un árbol completo, y dado que el espacio es ambiguo, mi mente interpreta que hay un abismo debajo de las “baldosas” y que el espacio se continua en los costados laterales, De alguna forma lo siento como un escenario.
En conclusión, y debido a que el ensayo lo he redactado en varias sesiones, me permito escribir que en este momento, el cuadro me produce más bien, la sensación de un misterio agradable, de una melancolía vivaz. Me parece en sí un poema visual, con rima, silencios y ritmo. Y creo pensar que es porque la autora es capaz de ver esto en el mundo, lo puede mirar poéticamente y así representarlo en sus obras.
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